Amor y cine: luces, cámaras, besos y palomitas

Hay dos eventos que se han enraizado al mismo tiempo en nuestra sociedad en la cultura humana: el amor y el cine.

El fin de la vida rural marcó el inicio de una etapa en donde los individuos fueron libres de seleccionar sus parejas. El tiempo del ocio es también el tiempo de las relaciones amorosas. Esto lo explica Octavio Paz en La doble llama, su historia del amor y del erotismo en la literatura.

Win Wenders, por su parte, explicó en El acto de ver que la ciudad del siglo veinte había inventado el cine para no morir de aburrimiento.

Hoy por hoy los dos fenómenos van de la mano. Si uno hace una búsqueda en la Internet movie database (www.imdb.com) utilizando como palabra clave "love" obtiene un total de 10 mil 165 registros: ni están todos los que son ni son todos los que están, pero se obtiene una dimensión de lo asiduo del tema amoroso en el cine.

Hay amores que superan a la muerte (referencias shakesperianas directas: Romeo + Julieta de Baz Luhrmann, 1996; Romeo y Julieta de
Franco Zeffirelli, 1966). Los hay locos (El marido de la peluquera de Patrice Leconte, 1990). Los hay apasionados (buenos para exhibir la carne de los actores y actrices: El imperio de los sentidos de Nagisa Ôshima, 1976). Los hay sosegados y tranquilos (Cuentos de Tokio de Yasujirô Ozu, 1953). En la pantalla los hay para todos los gustos e intenciones dramáticas.

El Cine club UCEM arranca del año del doble uno (2011) con un ciclo de amores de cine. Estos transcurren frente a la cámara o frente a la pantalla. Son divertidos, trágicos o las dos cosas. Modernos, pues.

La primera sesión (3 de febrero) corresponde a una de las películas menos conocidas de Wood Allen: Recuerdos (Stardust memories) del año 1980. Cine que se busca en otras películas cuya mejor manera de apropiación es sabiendo que Woody Allen estaba terminando una etapa que hoy consideramos de director clásico de Hollywood (con su demarcación genérica, su narración motivada, sus estrellas, etc.) y estaba arrancando un viaje por Europa (por su cine, por su estilo por momentos brutalmente antinarrativo en donde predomina más el ambiente o la psicología de los personajes que sucesión de eventos). Y para ellos sus referencias principales (que no las únicas) son: 8 ½ de Federico Fellini (1963) y las primeras películas de Allen ("las chistosas del principio": Robo, huyó y lo pescaron (1969), Bananas: la locura está de moda (1971), Amor y muerte: La última noche de Boris Grushenko (1975) sin dejar el ser el neurótico que busca el amor al lado de Annie Hall (1977).

El jueves 10 de febrero un hombre salido del psiquiátrico (Antonio Banderas) rapta a una estrella de cine porno y drogadicta (Victoria Abril). Átame!,
del año 1990, es el resumen de la primera etapa del cineasta manchego Pedro Almodóvar. La pulsión marginal de sus personajes se emparenta con los de ¿Qué he hecho yo para merecer esto!! (1984) o Matador (1986). Historia de amor loco, desesperado de dos personajes que no tienen nada que perder.

El 17 de febrero es el turno una cinta clásica (y poco vista en nuestro país) dirigida por Vicente Minelli: "Cautivos del mal bucea en los entresijos del Hollywood de finales de los 50 a través de la historia de un tiránico y manipulador productor de cine, Jonathan Shields (Kirk Douglas) que, en un momento de declive, se pone en contacto con cuatro de sus antiguos colaboradores: Georgia Lorrison (Lana Turner), actriz sofisticada; Fred Amiel (Barry Sullivan), director de éxito; James Lee Bartlow (Dick Powell), guionista de prestigio, galardonado recientemente con el Pulitzer; y el productor ejecutivo Harry Pebbel (Walter Pidgeon), a los cuales ayudó en la consagración de sus respectivas carreras pero que ahora le detestan. Ahora, años después, los cuatro le echarán en cara que fue un productor sin escrúpulos que trató de alcanzar el éxito sin reparar en las personas a las que traicionaba o engañaba... " (http://guionoriginal.blogspot.com/2010/04/cautivos-del-mal-1952-cinecritica.html). Entre muchas otras cosas, Cautivos del mal es una historia de amor al cine y de amor en el cine.

El remate ocurre desde nuestro lado de la pantalla: Los soñadores (2003) es una historia de amor entre cinéfilos, aunque también narra un amor incestuoso y el encuentro de una generación con la política y el sexo en la década de 1960. Con referencias al cine de la nueva ola francesa (la música de Los 400 golpes (François Truffaut, 1959), las imágenes de Sin Aliento y Banda Aparte (Jean – Luc Godard, 1959 y 1964), Bernardo Bertolucci le declara nuevamente su amor a la cineteca, a los cineclubes, al cine y a la juventud.

Nuestra programación resumida es la siguiente:

• Jueves 03 de Febrero: Recuerdos (Stardust memories). Dirección: Woody Allen. Estados Unidos, 1980.
  
• Jueves 10 de Febrero: Átame! Dirección: Pedro Almodóvar. España, 1980.
  
• Jueves 17 de Febrero: Cautivos del mal (The bad and the beautiful). Dirección: Vicente Minelli. Estados Unidos, 1952.
  
• Jueves 24 de Febrero: Los soñadores (The Dreamers). Dirección: Bernardo Bertolucci. Francia, Reino Unido, Italia, 2003.
  

La cita es en la UCEM (Capitán Caldera nº 75, Col. Tequisquiapan, San Luis Potosí, S. L. P. México), en el Aula de proyecciones 2, los jueves a las 6 de la tarde. La entrada es libre (con la presentación de una identificación) y la proyección es digital

Este jueves otra película de Kubrick: Barry Lyndon

Dentro del ciclo Otro mayo sin Kubrick, el Cineclub UCEM proyecta Barry Lyndon el próximo jueves 6 de mayo. Dado la que la duración del filme es de poco más de 3 horas, comenzaremos faltando 5 minutos para las 6 de la tarde. Recuerden que la proyección es en el aula de proyecciones 2 de la UCEM, en Capitán Caldera 75, col. Tequisquiapan de San Luis Potosí capital. La entrada es libre presentando una identificación.

Comentario
Sobre esta cinta, Martin Scorsese escribió:
El proyecto más ambicioso de Kubrick era una película de época que se situaba en la Europa del siglo XVIII, Barry Lyndon. Introdujo nuevos medios técnicos, encargando lentes especiales que captasen el resplandor de las velas en las casas de la aristocracia. En lugar de un cuento picaresco, creó otro proceso siniestro de autodestrucción, el asenso y caída de un oportunista. A primera vista se realiza desde un punto de vista y distante, engañoso. Pero me he dado cuenta de que ésta es una de las películas más conmovedoras que haya visto jamás. Su acierto consistió en insistitir en la lentitud para así recrear el paso de la vida y el comportamiento ritual de la época. Un buen ejemplo es la escena de seducción entre Ryan O’Neal y Marisa Berenson, que alarga hasta convertirla en una especie de trance. Lo que siempre me ha impresionado es el baile de emociones; la tensión entre los movimientos de la cámara y el lenguaje corporal de los protagonistas, orquestado por la música, es hipnotizador (Martin Scorsese y Michael Henry Wilson: Martin Scorsese: Un recorrido personal por el cine norteamericano. Akal, 2001).

Sinopsis
Siglo XVIII. El joven Redmond Barry, huérfano de padre, se ha enamorado de su prima, a la que también pretende el Capitán John Quin. Enfrentados en un duelo amañado, Redmond cree haber matado a Quin y huye a Dublín. Decide alistarse en el ejército inglés, donde empieza a desarrollar su enorme habilidad para sobrevivir. Un golpe de fortuna hace que, estando en Alemania, le surga la posibilidad de desertar, descubierto por el Capitán Potzdorf, del ejército prusiano, le ofrece la posibilidad de alistarse en el mismo o ser colgado por desertor. Una vez en el ejército prusiano tiene la fortuna de salvar la vida del Capitán Potzdorf, lo que le abre las puertas del servicio secreto prusiano. (Filmaffinity).
Ficha técnica
Título original: Barry Lyndon
Director: Stanley Kubrick
Guión: Stanley Kubrick a partir de la novela de William Makepeace Thackeray ("The Memoirs of Barry Lyndon, Esq.")
Intérpretes: Ryan O'Neal, Marisa Berenson, Patrick Magee, Hardy Krüger, Steven Berkoff, Gay Hamilton, Marie Kean
Productor: Stanley Kubrick
Director de fotografía: John Alcott
Edición: Tony Lawson
Diseño de producción: Ken Adam
Dirección de arte: Roy Walker
Vestuario: Milena Canonero y Ulla-Britt Søderlund
Una película en color del Reino Unido, año 1975
Duración: 183 minutos.

Inicia ciclo de cine: otro mayo sin Kubrick

El Cineclub UCEM invita a la exhibición de la película Senderos de gloria con la cual inicia un ciclo de cine dedicado a la obra de Stanley Kubrick, a once años de su muerte. La cita es el jueves 29 de abril en la sala audiovisual 2 de la UCEM, entrando por Capitán Caldera 75, en el barrio de Tequisquiapan. La función comienza a las 6 de la tarde y la entrada es libre.

Stanley Kubrick ha sido uno de los directores que ha rozado la perfección. Rebelde y comprometido con su trabajo, lo desarrollo en uno de los entornos más impersonales de la industria cinematográfica: el cine comercial de los Estados Unidos. Durante años estableció una batalla con el sistema para imprimir una visión personal a películas que, además, llegaran al gran público.

Entre sus obras hay verdaderos clásicos, muy conocidos por el público, como 2001, odisea en el espacio, La naranja mecánica y El resplandor. En este ciclo presentaremos algunas películas, un poco menos conocidas, que esperamos sean interesantes para el público que va conociendo la obra de Stanley Kubrick. Casualmente, todas las películas tienen un contenido bélico.

Senderos de gloria: sinopsis

En la Francia de 1916, durante la Primera Guerra Mundial, el general Boulard ordena la captura de una inexpugnable posición alemana y encarga esta tarea al ambicioso general Mireau. Éste, a su vez, ordena al coronel Dax que encabece el ataque. La toma de la colina resulta un infierno, y el regimiento regresa a sus posiciones. El alto mando militar, irritado por la derrota, decide castigar y dar ejemplo a los soldados... (Filmaffinity)

Comentario

En 1957 Kubrick toma bajo su dirección la novela del escritor de ascendencia italiana Humprey Cobb, Paths of glory, misma que había fascinado a Kubrick tras leerla en su juventud. Stanley y sus socios consiguen los derechos de la novela por la suma de $10,000.00 dólares y se lanza a filmar con la idea de sacarle el mayor provecho a una historia que conoce a la perfección. Habría que hacer notar que este detalle de comprometerse con proyectos a un nivel personal fue también una carateristica en todas las cintas de Kubrick, haciendo de lado todo trabajo de dirección por el que no sintiera una profunda afinidad.

En Paths of glory el director contó con las excelentes actuaciones de un par de actores veteranos; Adolphe Menjou en el papel del general George Broulard, y GEORGE Macready como el fabuloso General Mireau. Kubrick cubrió parte de las exigencias del estudio al acceder a tener como estrella al poderoso actor Kirk Douglas, quien a la larga sería co-productor de la cinta. También se involucraría en el guión original, cambiando el final elegido al principio por el director por considerarlo excesivamente depresivo. Kirk Douglas volvería a trabajar con Kubrick para la realización de Spartacus filmada en el año de 1960 y en la cual el maniático actor practicamente hizo de lado todo punto de vista de Kubrick.

Egos aparte, la opinión general de la crítica y los cinéfilos con respecto del cambio de final para Paths of glory le dá la razón a Kirk Douglas. Sin duda la idea de Kubrick de mantenerse fiel al original de la novela tiene su punto a favor por querer mantener un aura de realismo histórico en la película, pero el climax logrado por las actuaciones del reparto y la tensión de la historia hacen que ese final final sea coherente, y aún magnifico. (Cinexcepcion)

Ficha técnica

Título original: Paths of glory

También conocida como: La patrulla infernal

Director: Stanley Kubrick

Guión: Stanley Kubrick, Calder Willingham y Jim Thompson (basado en una novela de Humphrey Cobb)

Música: Gerald Fried

Fotografía en blanco y negro: Georg Krause

Intérpretes: Kirk Douglas, Ralph Meeker, Adolphe Menjou, George MacReady, Wayne Morris, Richard Anderson, Joseph Turkel, Timothy Carey, Peter Capell, Susanne Christian, Bert Freed, Emile Meyer.

Productora: MGM presenta una producción Bryna Productions

Duración: 86 mins.

Estados Unidos, 1957

Cineclub UCEM presenta: Requiém por un sueño

Este jueves 22 de abril, en punto de las 18:00 horas (6 de la tarde) se proyecta la película de Darren Aronofsky Requiem por un sueño. La cita es la sala audiovisual 2 de la UCEM, en Capitán Caldera 75, Colonia Tequisquiapan (en San Luis Potosí). La entrada es libre, presentando una identificación. La película es recomendada para público adulto.

Sinopsis

Harry (Jared Leto) vive con su atormentada madre Sara (Ellen Burstyn), y mientras él sueña con una vida mejor, ella está permanentemente a dieta para el día que pueda cumplir su mayor ilusión; aparecer en su concurso televisivo preferido. La ambición de Harry y su novia Marion (Jennifer Connelly) es hacerse ricos vendiendo droga con su amigo Tyrone (Marlon Wayans), y utilizar las ganancias para abrir un negocio propio, pero nunca llega el dinero suficiente para iniciar su plan. A pesas de todo, Harry y Marion no se resignan a vivir una existencia que consideran despreciable, por lo que harán lo impensable para conseguir la vida que anhelan. (FILMAFFINITY)

Entrevista a Darren Aronofsky

¿Por qué tantos cineastas jóvenes y con talento hacen películas sobre drogas, especialmente sobre la heroína?

D. Aronofsky: A esta altura, las películas sobre heroína son casi un género en sí mismas. Pero Réquiem para un sueño no es sobre la heroína ni sobre las drogas. De hecho, nunca me interesó hacer una película sobre drogadictos –creo que son bastante aburridos y poco interesantes-. Lo que me resultaba realmente sorprendente de la novela, y que es lo que traté de hacer en la película, era este contrapunto en la historia de Sara Goldfarb, que deconstruía completamente al film en tanto película de drogas. La historia de Harry, Tyrone y Marion es una historia de heroína muy tradicional, pero al ponerla en paralelo a la historia de Sara, de pronto nos preguntamos "¿Qué es una droga?". Lo que Selby está diciendo es que cualquier cosa puede ser una droga –no tiene que ser coca. La idea de que el mismo monólogo interno atraviese la cabeza de una persona tanto cuando está tratando de dejar las drogas como cuando se está tratando de dejar el cigarrillo, o de hacer dieta para perder 9 kilos, es algo que me resulta fascinante. Me pareció que era algo que no se había visto en el cine, y quise llevarlo a la pantalla.

Lo siento, pero tengo que decir esto: ¿no te parece que la gente sigue regresando a esta subcultura de la droga porque es un buen lugar para buscar metáforas más grandes e historias más significativas?

D. Aronofsky: No creo que ésa sea la razón. Las películas que me saltan a la mente son Drugstore cowboy y Trainspotting.

¿Viste Jesus' son (Alison Maclean, 1999 –con Billy Crudup, Samatha Morton y Dennid Leary)?

D. Aronofsky: Sí, pero Jesus' son no trataba realmente sobre drogas, tampoco.

Exacto, como tampoco lo es Drugstore cowboy, o Trainspotting.

D. Aronofsky: Bueno, pero creo que Trainspotting lo es en buena medida.

Pero también es sobre la esperanza y la vida.

D. Aronofsky: Creo que las drogas actúan como una lucha. Muchas de estas películas tienen un tema similar –que es central también en Réquiem –la batalla entre la adicción y el espíritu humano. En muchas maneras, vimos a Réquiem como una película monstruosa. La "criatura" era invisible; es algo que vive en nuestras cabezas. Adicción. Esa es la batalla humana. Todos nosotros tenemos nuestras adicciones, ya sea la adicción al trabajo o a la TV –estamos lidiando con esta batalla interna de forma permanente.

Aunque no es una drug movie, el uso de drogas la convierte probablemente en una experiencia asoladora, difícil, inquietante. ¿Te propusiste provocar un efecto aplastante?

D. Aronofsky: La película es como un hacer un clavado contra el piso, y más allá, hacia el subsuelo del infierno.

Cuando estaba vendiendo el proyecto, le decía a la gente que lo que yo quería era que se sintiera como saltar de un avión y darte cuenta a mitad de camino de que te olvidaste el paracaídas. En ese punto es donde empieza la película. Y termina cinco minutos después; sigues vivo con tu último aliento durante esos minutos finales. Para mí, de eso se trata la película: una montaña rusa que se estrella contra una pared de ladrillos. Yo quería que no hubiera ningún tipo de catarsis al final, que fuera lisa y llanamente un final tan duro e intenso como fuera posible. Esta es una película punk donde el público es el abismo emocional final.

¿Simplemente decías todo eso de corrido?

D. Aronofsky: Sí, de hecho. He estado diciendo por ahí que esta es una película punk, pero nunca que fuera un abismo emocional. Mira, habiéndome criado en Manhattan solía ir a ver La naranja mecánica al Playhouse de la calle 8va, o iba al Teatro de la calle Waverly a ver Stop making sense o Eraserhead. Eran todas películas excitantes, prohibidas, y creo que es de ahí de donde provienen Pi y Réquiem, de un intento de hacer ese tipo de películas. (Y SIN EMBARGO magazine)

Créditos

Título original: Requiem for a dream.

Dirección: Darren Aronofsky.         

Guión: Hubert Selby Jr. y Darren Aronofsky.

Reparto: Ellen Burstyn, Jared Leto, Jennifer Connelly, Marlon Wayans, Christopher McDonald y Louise Lasser.

Producción: Eric Watson.

Música: Clint Mansell.         

Fotografía: Matthew Libatique.

Edición: Jay Rabinowitz.

Sonido: Brian Emrich.

Estados Unidos, 2002.

102 minutos.

(IMDB)

El Cineclub UCEM presenta El rey de la comedia

El próximo jueves 25, en punto de las 6 de la tarde, se exhibe El rey de la comedia, de Martin Scorsese, como parte del ciclo La caja idiota y nosotros. La cita es en el aula audiovisual 2 de la UCEM, en Capitán Caldera 75, colonia Tequisquiapan. La entrada es libre.

Sinopsis

Amarga comedia que narra la historia de Rupert Pupkin, un cómico obsesionado con convertirse en el mejor en su campo. Un día Rupert conoce a su ídolo, Jerry Langford, y le suplica la oportunidad de aparecer en su show, pero éste se la niega. Sin embargo no cejará en su empeño, acechando a Jerry hasta que consiga lo que quiere. Finalmente y con la ayuda de su amiga Masha secuestrarán a Langford para poder conseguir sus propósitos (Film Affinity).

Martin Scorsese

Nacido en 1942 en Queens (Nueva York, Estados Unidos), Scorsese es considerado como uno de los cineastas más impresionantes de las últimas décadas. Ya desde Calles peligrosas (Mean Streets, 1973), ha asombrado al público e inspirado a una generación de cineastas, que ha intedado, en vano por lo general, usar la cámara con suenergía y precisión. Algunos directores son grandes contadores de historias, otros son grandes técnicos, él es ambas cosas. Se le deben películas como Taxi Driver
(1976), El último vals (The last waltz, 1978), Toro salvaje (Raging bull, 1980), La última tentación de Cristo (The last temptation of Christ, 1988), Buenos muchachos (Godfellas, 1990) y fue reconocido con el Oscar por Los infiltrados (The departed, 2006) (Con información obtenida de libro de Laurent Tirard Lecciones de cine, editado por Paidós en 2003)

Scorsese habla sobre su fascinación por los comediantes

¡Ellos pueden hacer cualquier cosa! Pueden formular los argumentos más sorprendentes y no se les tiene en cuenta con tal de que hagan reír. No se detienen ante la decencia ni el buen gusto. Nos obligan a ver la incongruencia de la vida, su obscenidad. La risa es liberadora. Riendo se exorcisan los demonios. Y cuanto más irrevertentes, mejor. (…). Otra cosa que me fascina de ellos es que trabajan sin red. Sin partenaires. Sin escritores, puesto que, en general, ellos mismos escriben sus monólogos. No pueden quejarse de la iluminación, ni de la puesta en escena. Están solos sobre las tablas, sin poder abandonar el lugar que se les ha asingnado (…) Es el principio del monólogo de El rey de la comedia. Lo rodé en un solo plano de siete minutos. Tras la primera toma, Bobby (Robert) De Niro bajó del escenario y él, que es uno de los mejores actores del mundo, me dijo: "Nunca en mi vida me he sentido tan aterrorizado, tan humillado" (del libro Conversaciones con Martin Sccorsese, editado por Plot en 1987).

La fama

Cuando se estaba filmando El rey de la comedia, Robert De Niro era toda celebridad, asediada por los fanáticos, al igual que Jerry Lewis. Sólo que ambos tomaban el acoso del público de manera muy distinta. Lewis era capaz de bajar a recibir, en le lobby de un hotel, a un fan con un arma de fuego, dispuesto a disuadirlo de lo dejara en paz. De Niro en alguna ocasión aceptó la invitación de un hombre, al cual no conocía y que le hablaba a todas horas. Al final resultó ser un tipo normal que simplemente quería saludarlo y mandarle recuerdos de parte toda su familia. El rey de la comedia es una película sobre las celebridades, sobre la manera en que la televisión construye famas, aisla a la gente y que provoca, en muchos, el deseo de emular a los que aparecen en ella (con información de los libros Mis placeres de cinéfilo, de Martin Scorsese, publicado por Paidós en 2000 y de Conversaciones con Martin Sccorsese, editado por Plot en 1987).

Ficha técnica

Título original: The king of comedy.

Director: Martin Scorsese.         

Guión: Paul D. Zimmerman.

Productor: Arnon Milchan.

Fotografía: Fred Schuler.

Edición: Thelma Schoonmaker.    

Intérpretes: Robert De Niro (Rupert Pupkin), Jerry Lewis (Jerry Langford), Diahnne Abbott (Rita Keane) y Sandra Bernhard (Masha).

Estados Unidos, 1982.

Duración: 108 minutos.

Los invitamos al nuevo ciclo del Cine Club UCEM: La caja idiota y nosotros. En él se exhibirán películas sobre la relación del público con la televisión.
La cita es los jueves a las 6 de la tarde en Capitán Caldera 75, en la sala 2 de proyecciones. La entrada es libre, sólo hay que traer una identificación.

La UCEM en la 51 Muestra Internacional de Cine

La programación de la Muestra Internacional de Cine en San Luis Potosí incluirá tres cortometrajes realizados por alumnos de la especialidad en Cine Digital de la UCEM.

La muestra inicia el viernes 12 de marzo y concluirá el 29 del mismo mes. Su sede es la Cineteca Alameda (Universidad 575)

Los cortos de alumnos de la UCEM son los siguientes:

• Luces, documental de Luis Javier Rodríguez, el sábado 13 a las 16:30, 18:15 y 20:30 horas, antes de las funciones de Parque Vía.
  
• El acto sublime, ficción de Roberto Montañez, el lunes 15, a las 16:00, 18:15 y 20:30 con El silencio de Lorna.
  
• La vida en El Saucito, documental de Rafael Haro, el domingo 21, antes de las funciones de John Rabe (a las 15:30, 18:15 y 21:00).
  

Con estas funciones, la especialidad en Cine Digital comienza a ser parte del panorama fílmico de nuestra comunidad. Enhorabuena no solo a los realizadores, sino a toda la gente que colaboró en estos proyectos.